Bühne dunkel. Vorhang. Lasst uns ein letztes Mal zweifeln, ein letztes Mal hadern. Tief Luft holen. Die Beine wippen, Finger verkrampfen sich. Augen zu. Hineinhorchen. Der Moment vor den vielen Momenten, da läuft noch einmal alles durch den Kopf. Die vielen Probenmonate, die ersten Ideen und die ersten konkreten Umsetzungen.

Vielleicht ist es ja egal, weil vorbei. Vielleicht aber dienen jene Erinnerungen als Stütze; dafür, um nicht zu vergessen, dass Theater viel mehr ist als das Bespielen einer Bühne. Es ist ein Prozess, der formt und fördert, eine Entwicklung, an deren Ende nicht nur ein Theaterstück steht, sondern auch eine Persönlichkeit. Bei einem Festival wie dem Theatertreffen der Jugend ist das besonders wichtig, weil sich eben diese Persönlichkeit stellen muss: dem Publikum, der Kritik, den Nachgesprächen. Die dunkle Bühne ist der letzte Augenblick, wo das Spiel noch einem selbst gehört, wo es ein ganz persönliches Ding ist, wo bis zu diesem Zeitpunkt hin Theater kein Unterhaltungs-, sondern Selbstfindungs-, Fluchtmedium ist.

Und – meine Güte! – was gibt es nicht alles zu suchen, zu finden, wovor kann nicht alles geflüchtet werden, wovor kann sich ein Körper nicht alles retten! Wegrennen heißt ja auch immer, irgendwohin laufen. Sehr lobenswert also, wenn es Menschen gibt, die sich als Zielort das Theater aussuchen, um dort zu arbeiten, etwas zu erschaffen und dann zu zeigen. Dafür darf man ruhig dankbar sein, auch wenn sie – wenn sie auf der Bühne stehen – niemals sie selbst sein können, so sind sie doch zumindest Karikaturen, Porträts, Parodien von etwas, das es in ent- oder vielleicht sogar verschärfter Form tatsächlich gibt.

Licht. Es wird geflutet. Die Blicke richten sich auf die Bühne, Scheinwerfer legen sich auf die Körper, es wird alles schwerer, jeder Schritt, jedes Wort, die Spannung spürbar. Es gibt klare Grenzen, Choreografien, man lebt plötzlich in Erinnerungen, Zeilen dürfen nicht vergessen, Einsätze nicht verpasst werden.

Es wird zuvor viel davon gesprochen, was Bühne eigentlich bedeutet, was Theater heißt, was es bewegt und was nicht. Es wird über das Ausleben geredet, von Träumen, von Wünschen, vielleicht sogar Ängsten, davon, dass ein Stück „Ich“ drinsteckt, ein Stück Selbstverständnis. Das ist insbesondere bei Jugendtheater der Fall, wo mit höchster Wahrscheinlichkeit alle auf der Suche nach irgendwas sind.

Doch: Theater funktioniert anders als das richtige Leben. Würde man normalerweise Unsicherheiten aus Selbstschutz wie im Reflex von sich weisen, versuchen, sie zu verdecken, zu verstecken, werden sie im Theater zelebriert, gefeiert, das Unperfekte wird nicht losgelassen, sondern in das Scheinwerferlicht gezerrt, bloßgestellt oder getröstet, weil es doch ach so menschlich ist. Weil sie vielleicht eben nicht zu schön sind für diese Welt, weil sie eben nicht einfach nur „girls!“ sind, sondern viel mehr und weil sich Ängste im Selbstauslöser am deutlichsten offenbaren, so wunderbar sind in ihrem Makel, um thematisiert zu werden.

Letzten Endes ist Licht die wohl perfekte Metapher für das, was auf dem Festival passiert: Erst wird gesehen, dann wird diskutiert, beleuchtet. Die Augen werden weit geöffnet, die Türen auch. Jugendliche sprechen miteinander, tauschen sich aus und genauso soll es sein und nicht anders.

Und wenn man gesättigt ist? Dann zurück rennen, lieben, hassen, alles zwischendurch leben, schwarzweiß und bunt, Erfahrungen sammeln, Ängste, Wünsche, Träume. Dann wieder weglaufen, ab ins Theater, für uns. Danke.

Es gibt aber auch welche, die behaupten, Bühne sei alles, Bühne sei grenzenlos, Bühne sei immer und überall, zeitlos. Für Bühne brauche man keinen Termin, keine Vereinbarungen, müsse nur aufwachen und hinauslaufen, den Dingen hinterjagen. Unter diesen Umständen einigen wir uns doch darauf zu sagen: Bühne ist, wo du bist.

Denn um nichts anderes geht es auch auf dem Theatertreffen der Jugend: Nicht nur die Bühne will bespielt werden, sondern auch das Festivalgelände. Nicht nur die Stücke in der Wabe wollen faszinieren, sondern auch die vielen Gespräche außerhalb. Hier ist die Bühne immer und überall, hier kann gespielt, nur so getan, geträumt werden. Die Möglichkeiten, die wir bekommen, entscheiden darüber, was wir werden. In der Hoffnung, tragend zu sein, buhlen die unterschiedlichsten Dinge um das Vertrauen.

Das ist mit dem Theatertreffen der Jugend nicht anders: Im Rahmen des Festivals werden viele Sachen angeboten, viele Stücke werden angeschaut; sie alle entscheiden darüber, wie wir das ttj wahrnehmen wollen und wie wir sie wahrnehmen werden. Der Erfolg hängt davon ab, wie sehr die Möglichkeiten ausgereizt werden. Die einen werden jede Veranstaltung wahrnehmen, überall dabei sein, andere jedoch werden schweigen, in der Ruhe beobachten, Impressionen aufsaugen und sie dann, wenn überhaupt, später überarbeiten. Auch das ist Teil des ttj-Daseins: Jede Annäherung wird akzeptiert, jeder Umgang respektiert, Kennenlernen durch Austausch.

Was also kann vom Theatertreffen der Jugend erwartet werden? Das ist einfach zu beantworten: Angebote. Alles kann getan, vieles gelassen werden. Alles jedoch wird auf seine Art glücklich machen. Niemand wird gezwungen, die Dinge zu tun, die getan werden können. Aber hat man einmal verstanden, was das ttj bedeutet und wie selten so ein Zusammentreffen ist, dann fällt es gar nicht so schwer – gar nicht so schwer! – immer und überall Bühne zu sehen, immer und überall zu sein.

Der Raum ist frei. Die Menschen sammeln sich in der Mitte; am äußeren Rand sitzen nur einige wenige. Draußen, vor der Tür und im Foyer, da unterhalten sie sich, gehen immer wieder zum Ausschank. Das Bier ist frei.

Die Unterhaltungen an diesem Abend wirken wie eine Katharsis. Unter dem Einfluss von Gerstensaft fällt das Reden leichter; „diesen Teil, den hab ich nicht verstanden“, „ich fand Deine Kritik nicht fair“, „ich bin, ganz ehrlich, ein bisschen neidisch auf Euer Stück“. Aus zwei Gesprächspartnern werden drei, vier, fünf; beim Vorbeigehen hört man ein Schlagwort, da hört man einen Einstieg. Doch am Ende, wenn alles raus ist, die Wörter, die kommen wollten, auch gekommen sind, treibt es sie alle in den Raum hinein, auf die Tanzfläche, die so groß ist, dass man von der einen zur anderen Seite fegen kann; im Hüpfschritt an den Mittanzenden vorbeirauschen, Körper, die sich fast treffen, aneinander stoßen. Der Kopf ist frei.

Als die Bühne das letzte Mal betreten wird, fühlt es sich merkwürdig an nach dem Theatermarathon. Jeden Abend ein Stück, jeden Tag die Diskussionen zum vorherigen Stück, jedes Mal enttäuschte, aber auch glückliche Gesichter. Auf dem Festival-Gelände treffen sich die Köpfe, einige laufen bewusst aneinander vorbei, andere halten die Köpfe nach vorne, grüßen alle, die sie sehen und irgendwann mal getroffen haben. Im Zelt, da stehen sie an, um etwas von der Fassbrause zu bekommen; es schäumt, es dauert. Und wenn sie dann das Zelt verlassen, hinein in den kleinen Garten, halten sie kurz inne, schauen sich um, suchen den Tisch mit Leuten, die sie kennen; ein kurzes Winken, ein rasches Lächeln; beim Vorbeigehen wird noch schnell gepriesen, „ihr wart super gestern Abend“, weitergehen. Im Kopf, da ist eigentlich noch viel mehr. Informations-Overkill. Beinahe fühlt man sich schlecht für seine kurzen Sätze, will viel mehr sagen. Vorsichtige Annäherungen mehren sich, das nächste Mal, so beschließt man, setzt man sich an einen anderen Tisch. So funktionieren Festivals, so funktioniert Theater. Die Gedanken sind frei.

Irgendwann kommt die Zeitung. Beim Abendessen. Irgendwie sucht man darin auch seine eigene Stimme, will auch die eigene Kritik finden; vielleicht wundert man sich auch, dass man nichts kritisieren konnte und schlägt dann die Kritiken auf, um sich vom Gegenteil zu überzeugen, manchmal braucht man nur einen Anstoß, einen kleinen Schubs für eine potentielle Konversation. Erstaunlich ist das, wenn niemand mitbekommt, wie differenziert sie doch eigentlich in Diskussionen gehen, unterbewusst, weil es so viele Foren gibt: Das Festival-Gelände, das Zelt, der Garten, die Nachgespräche und, ja, die Bühne. Überall gestalten sich die Fragen und Antworten anders, die Atmosphären ändern sich; viele sind beim Mittagessen mutiger mit ihrer Meinung, andere warten bis zum Nachgespräch. Es gibt auch welche, die schweigen und einfach alles auf sich wirken lassen. Auch das ist erlaubt, auch das ist okay. Das steht jedem frei.

Als das Zelt zum ersten Mal mit Musik bespielt wird, bewegen sich die Körper noch sehr zaghaft. Es gibt Kreistänze, ja, Eisbrecher; sie sollen die Leute motivieren, die Tanzfläche zu stürmen. Viele lassen sich überzeugen, viele gehen früh, einige schauen verständnislos den Tanzenden zu, einige in freudiger Erwartung darauf, dass das Bier oder der Wein ihre Grenzen bricht und sie dann auch tanzen lässt. Die Zugehörigkeit muss gefunden, die eigenen Erwartungen an das Festival ergründet werden. Es gibt solche, die wollen so viele Menschen wie nur möglich kennen lernen, es gibt aber auch andere, die nur Theater sehen wollen und einige wenige, die vielleicht gar nicht wissen, was sie hier zu suchen haben.

Als die Bühne das erste Mal bespielt wird, am ersten Tag, da hat man sich schon begrüßt. Viele sind zum wiederholten Male hier, lieb gewonnene Menschen werden umarmt, beim Betreten der Wabe sieht man in der Ferne noch Freunde, ein kurzes Winken, ein rasches Lächeln, weitergehen. Sie setzen sich, die Vorfreude steigert sich, „diese Bühne, die wird mal meine sein“. Im Kopf kommen Bilder hoch, „diese Menschen, die werden mich dann beklatschen“, das Bühnenbild tritt vor die Augen, vielleicht ist das auch der Moment, an dem ein paar der Teilnehmer panisch werden; aus Ehrfurcht vor der Bühne, aus Angst vor der Diskussion, der sie sich dann aussetzen müssen, vielleicht auch einfach nur aufgrund von Lampenfieber.

Als am letzten Tag also aus dem Theaterraum eine Tanzfläche wird und – endlich – nach so vielen Tagen alles herausströmt, ist das ein befreiendes Gefühl, eben die Katharsis. Doch wenn alles raus ist, die Emotionen, die kommen wollten, auch gekommen sind – und das wissen sie alle – treibt es sie ja sowieso wieder zurück.

Die Bühne ist frei.

Foto: Maria Hennig

In «Immer spielt ihr und scherzt» ist mir die Figur des Todes aufgefallen – ein Auftritt, den ich sehr kritisch betrachten musste. Frage ich mich nicht nach der inhaltlichen Begründung für den Bruch, der durch einen klar definierten Auftritt des Todes – zwischen schwarzer Witwe und dirndelndem Mädchen – zu Stande kam, so hinterfrage ich seine energetischen Strukturen, jenseits seiner formalen Rechtfertigung. Sicherlich ließe sich sagen, der Tod sei etwas Jenseitiges, etwas, das das (Spiel-) Konzept des Vorigen bricht. Jedoch warum habe ich den Eindruck, dass sich die zuvor entwickelte Spannung und Energie der Spieler zur Impotenz, fast Passivität reduziert? Auch hier ließe sich argumentieren, dass das nun mal die Aufgabe des Todes ist: das Töten. Jedoch: Mich machen Spielanlagen dort skeptisch, wo sie dem Einzelnen Energien blockieren, ob merklich oder nicht.

Das Ensemble hat sich für eine Aufteilung der Rollen des Schlomo und des Hitler entschieden. Warum müssen sich alle dem Spielprinzip unterwerfen – selbst wenn im Einverständnis entschieden? Ich kann nur sehen, was gezeigt wurde, nicht, was nicht gezeigt wurde. Hier noch mal gesagt: Mir geht es nicht um eine inhaltliche Begründung, nicht mal um eine formale. Es geht mir um eine, die sich in den Energien des Individuums begründen. Hätte die Gruppe die Kraft gehabt, die Spielvorlage als Fünfpersonenstück zu inszenieren?

Warum ich das frage: Ich erinnere mich an das Aufführungsgespräch zu «Bürgen schafft», jemand stellte die Frage, wo denn die Hoffnung sei.
Ich habe jetzt alle eingeladenen Inszenierungen gesehen und mir fällt auf, dass es ein wesentliches Spielprinzip zu seien scheint, die Identität des Einzelnen zu Gunsten eines vereinbarten Spielprinzips aufzuheben. Sicherlich brachte Straubing Identitäten auf die Bühne – aber auch dort nur im Kontext der Vereinbarung, des gemeinsamen Mutigseins durch Schutz von Rhythmik und Tempo, zumal die Hauptfigur völlig verängstigt und verstört ist, der Herrscher ihm gegenüber Machtbesessen: Wie in «Peanuts», wie in «Amoklauf mein Kinderspiel», wie in… – es ließe sich fortsetzen.
In den «Peanuts» haben wir Typen gesehen – doch würden sich diese auch trauen, ihre Identität zu bewahren, wenn sie als Einzelpersonen dem Publikum begegnen müssten?
Auch «Anne Frank und ich» schafft es nur, die Emily als Schizophrenie des Angsthabens vor dem Zu-sich-selber-stehen zu zeigen.

Wir verspeisen den Vater in «Familiengeschichten» und laufen im «Kinderspiel» Amok gegen die Überväter. In «Bürgen schafft» erhängen wir Beppo und in «Peanuts» muss auch gleich noch der Zellengenosse dran glauben, weil er zu viel weiß. In «Topinambur» gehen nur noch Maschinen ans Telefon und Anne Frank kommt ins Konzentrationslager – der Tod spielt heuer eine Rolle, viele sterben dieses Jahr beim Theatertreffen der Jugend. Wofür steht das?

Natürlich ist es handwerklich eine wunderbare Leistung, wenn chorische Szenen sauber erarbeitet werden. Ich habe Verständnis dafür, wenn es oft mehr Spielwütige gibt als Rollen zur Verfügung stehen, wenn allein aus organisatorischen Gründen Prinzipien des Kollektivspielens (neu) erfunden werden (müssen). Doch ich vermisse den Mut des Zentrums, die Kraft Einzelner – die nichts mit Egozentrik zu tun hat, sondern als Basis der Identitätsentwicklung dient und dem Stück als Kollektivprodukt nicht schadet, solange die Identität dazu in der Lage ist, mit ihrer ursprünglichen Anschauung zu kommunizieren. Mag sein, dass das in den Probenprozessen praktiziert wurde – aber warum stehen dann auf der Bühne keine «Typen», sondern stereotype Ensembles (jedes für sich – nur bedingt alle als Gemeinsames)? Vielleicht ist es meine persönliche Masche, aber mich interessieren keine Gleichstellungen zu Gunsten einer Idee. Sie machen mich sehr skeptisch.
In «Immer spielt ihr und scherzt» ließe sich in diesem Punkt wieder inhaltlich diskutieren. Aber wie kann es sein, dass wir Verständnis von Zuständen in Zuständen ausdrücken und nicht Zustände als Muss zum Brechen dieser verstehen?
Auch «Lieblingsmenschen» spielt mit den einzelnen Lebens- und Beziehungskisten, guckt rein und spielt mit dem Inhalt – am Ende aber sind die Kisten wieder fein säuberlich verschlossen. Klappe zu, Affe tot. Veränderungen ausgeschlossen.

Wenn der Tod als einziger eine klare Identität hat, so macht mir das Sorgen – ich bekomme Angst vor einer Gesellschaft, die sich die Hoffnung zur Identität nicht mehr vergegenwärtigen möchte, sondern im Erfüllen der Idee oder des Prinzips ihre Identität meint, finden zu können. Doch Identität kann nicht im Gruppenkonsens auf Vereinbarung einer Idee entstehen, außer als Gruppenidentität, die sich als Kollektives auf den Einzelnen auswirkt. Wo bleibt jedoch die Identität, die sich auf den Einzelnen bezieht, ihn zur Grundlage, zum Ursprung der Rolle und seiner Handlugen macht?

Erzählen die Stücke auf dem diesjährigen Theatertreffen der Jugend auch vom Sterben der Identität, vom Sieg des Erfolgs, statt vom Mut des Scheiterns? Leben wir im Zeitalter der Wiedergeburt des Chorischen?
Wir essen den gleichen Müller-Joghurt und wir tauschen unsere Namensschilder, weil uns das eigene nicht mehr so wichtig zu seien scheint – wir verlernen die Abgrenzung zu Gunsten der Vereinbarung. Auf dem Weg zur S-Bahn werden wir von Verrückten niedergeschlagen.

Die jahrzehntelange Anführerin wird vergöttert – sie selbst nennt es halb kritisch, halb geschmeichelt „Personenkult“. Ist sie das Symbolbild für (scheidende) Identität? Auch hier, in ihrem Gehen, findet ein Sterben statt.

Ja, gemeinsam sind wir stark, aber ist der Einzelne auch an der Grenze seines Energiepotenzials? Ist nicht das Kollektiv Unterdrücker des Einzelnen? Zu Gunsten von was?

Ich kritisiere nicht, ich schaue und frage nur.

Foto: Gudrun Ohst

Die Abschiedsveranstaltung für die scheidende TTJ-Chefin Barbara T. Pohle.

Dieses Jahr, erzählt Barbara T. Pohle am Ende des Abends, hat sie zum ersten Mal im Theater ihr Handy angelassen. Das hat sie selbst überrascht, aber einmal ist eben immer das erste Mal. Oder das letzte. Dieses Theatertreffen der Jugend, das Dreißigste, ist das letzte, das unter Barbara Pohles Leitung stattfindet (schon teilt sie sich den Job mit der von ihr ausgewählten zukünftigen Chefin Christina Schulz). Ein wichtiger, ein traurigschöner Grund, Glück zu wünschen, zurückzublicken.

Es ist eine Zeitreise. Auf der kleinen Bühne des Theaters unterm Dach ließen die Moderatoren Martin Frank und Simone Neubauer die Jahre durchlaufen, von 1980 bis 2009, von der Einführung des Zauberwürfels in Deutschland bis zur Hertie-Pleite. Was alles passiert ist in der ganzen Zeit! Nur noch ein paar Beispiele. 1981: Gründung des Chaos Computer Clubs. 1984: erste E-Mail. 1990: Karl-Marx-Stadt heißt jetzt Chemnitz. 1991: Ötzi wird gefunden. 1993: die fünfstelligen Postleitzahlen werden eingeführt. 1998: Einführung des Euro wird beschlossen. 2001: erster iPod – der 11. September wird interessanterweise nicht erwähnt.

Aber das ist alles Weltgeschehen. Viel wichtiger sind die Freundinnen und Weggefährten aus 30 Jahren Jugendtheater, die nacheinander auf die Bühne kamen, jeder zuständig für ein Jahr, jeder mit 30 Sekunden Zeit, na ja, vielleicht auch einer Minute, je nachdem. Die sich bedanken, die Anekdoten erzählen und Lieder singen, Pfingstrosen überreichen, Barbara umarmen, sie küssen und beschenken.

Im Laufe der Bühnenjahre wird Barbara T. Pohle zur „Mutter für alles“ erklärt, als Strippenzieherin und lächelnde Sphinx, die zwar nie etwas zum Jugendtheater sagt, es aber mit aller Kraft fördert. Sie wird zur Oberehrensulzbacherin erklärt, auch an anderer Stelle heißt es: „Wir Bayern, wir danken dir!“ Aus einer alten Produktion wird zitiert: „Sie war ein Mädchen voller Güte / und naschen tat sie auch sehr gern“ – passend dazu bekommt sie später eine handgefertigte Marzipanrose – isteineroseisteinerose – überreicht.

Soll man jetzt Namen nennen? Karlheinz Frankl ist der erste, mit Jutetasche in der Hand erzählt er von der schwierigen Anreise seiner Gruppe zum ersten Schultheatertreffen 1980. Den Abschluss macht Julia Gräfner, mit einem Schritt wird sie zur großen, gewaltigen Gertrud, ihrer Königin aus dem Schweriner „Hamlet“, der vergangenes Jahr zum TTJ eingeladen war: „Mir dringen diese Worte ins Ohr wie Dolche!“

So viele zwischendurch. Blick auf die Liste: Mariya Kozachenko, Günter Frenzel, Edgar Wilhelm per verlesener E-Mail, Thomas Lang, Ilka Cordula Felcht, Winfried Steinl. Die alte Gefährtin Emilia Schroeter, die Barbara lange umarmt. Henrik Adler, Karl Heinz Wenzel („TTJ ohne Pohle ist wie Hafen ohne Mole“). Die mittlerweile mit der Gruppe She She Pop erfolgreiche Performerin Mieke Matzke, Christel Hoffmann, Klaus Belz, Martin Frank, der von Barbara gelernt hat, dass die „Jugendlichen wichtiger sind als alle VIPs der Welt zusammen.“

Weiter: Renate Breitig aus dem Kuratorium. Marco Trochelmann, der auf indischen Spezialkochtöpfen ein Ständchen trommelt. Gudrun Bahrmann, Sebastian Stolz, Ulrike Hatzer und der Dramatiker Thomas Freyer, in einer wunderbaren Drei-Personen-Szene, die über drei Jahresabschnitte verteilt erklärt, warum Barbara T. Pohle erstens gebürtige Geraerin ist und dass zweiten ihr Mittelinitial für „Theaterfabrik Gera“ steht. Das „Theater“ glaubt man ihnen sofort.

Dann die Lübeckerin Marlies Jeske mit der Marzipanrose. Der Musiker Elis mit Gitarre, der witzig antäuscht, dann aber zart und nachdenklich singt, nur kurz, aber es sind ja auch nur 30 Sekunden Zeit. Die Juroren Michael Stieleke und Sepp Meißner, letzterer mit einer „Kratzbürste“ aus Draht, um den „Lack aus Unechtem und Falschem“ abzukratzen. Carmen Waack, die Barbara ein auf der Bühne eingeweihtes Waschbrett schenkt – und Jungjuror Charles Morillon, der im vergangenen Jahr noch in dem Magdeburger Stück „Kinder zur Sonne“ auf der Wabe-Bühne stand.

Zwischendrin in diesem bunten, lustigen, melancholischen, zum Lachen und Heulen schönen Abend deutet der Hersfelder Spielleiter Klaus Riedel – nach Lektüre eines alten FZ-Interviews mit Barbara – ihre Vorliebe für Interrogativpronomen aus. Die haben nämlich laut Duden „auswählende Bedeutung“. Und Riedel sagt voraus, dass die kommenden Jahre ohne TTJ, in denen Barbara sich in ihrem neuen Wohnort Frankfurt anderen Dingen widmen wird, „im Zeichen des Possessivpronomens“ stehen werden.

Nicht, dass Barbara T. “heatertreffen der Jugend“ Pohle nicht immer im Vollbesitz ihres Lebens, ihrer Umgebung, ihrer Menschen, ihres Festivals gewesen wäre. Starke Frau, die sie ist. Im Laufe des Abends wurde ihr „viel Kraft für die Entzugserscheinungen in der ab jetzt TTJ-freien Zeit“ gewünscht. Barbara wird diese Kraft haben, da sind wir nicht Bange. Sie bleibt auf Empfang. Ihr Handy bleibt an.

Foto: Kamilla Maria Smechowski

Jurysprecher Martin Frank über ein erwachseneres Festival, Lehrer-Schüler-WGs, die Arbeit in der Jury und Auswahlkriterien fürs ttj.

Martin, wie lange bist du inzwischen beim ttj in der Jury?
Ich glaub, ’95 war ich das erste Mal dabei. Ich bin nicht ganz sicher. Es ist dieses Plakat, wo der Kopf drauf ist.

Wie hat sich das ttj seitdem in deiner Wahrnehmung verändert?
Es ist mir inzwischen vertrauter. Es ist für mich ein Stück Theaterheimat geworden. Ich meine zu wissen, was es kann, und ich nehme es anders wahr als früher. Ich glaube, ich mute den Gruppen schneller mehr zu. Ich weiß, was für ein Potential und was für eine künstlerische Belastbarkeit sie haben.
Was sich verändert hat, ist, dass der Schuldruck immer mehr aufs Festival wirkt. Pisa spürt man auch hier. Da ist das Abitur, die Lehrpläne verdichten sich, die Lehrer haben weniger Zeit, Theater zu machen. Früher hast du hier Lehrer getroffen, die haben mit ihren Klassen in WGs gewohnt, um Theater zu spielen. Undenkbar heute. Das Verhältnis von Lehrern und ausgebildeten Theaterpädagogen in der freien Szene verschiebt sich. Bei den Lehrern und auch bei den Jugendlichen lässt die Motivation nach. Es ist ein bisschen unsexy, Theater zu machen.
Aber ich will nicht klagen. Das Theater ist auch, wie ich finde, im Ästhetischen viel selbstbewusster geworden. Es laufen heute Produktionen in diesem Wettbewerbsbereich, die wären vor 15 Jahren ganz anders angeeckt. Die ganzen postdramatischen Stoffe zum Beispiel. Früher war das ein richtiger Kampfplatz: Darf man Stücke so zertrümmern im Schultheater? Dieses Festival ist viel erwachsener geworden.

Gibt es etwas, das dich besonders stolz macht?
Dass man oft den richtigen Menschen vertraut hat. Man hat hier Gruppen ausgewählt, Menschen in die Jury gezogen, in die Zeitung geholt, deren ganze Biographie sich verändert hat, die beruflich im künstlerischen Bereich tätig geworden sind. Es gibt viele, von denen ich weiß, die sind hierher gekommen und dann ist ihr Leben anders weiter verlaufen. Und einer von ihnen bin ich.

Wir haben darüber gesprochen, wie die Leute hierher finden. Wie setzt sich die Jury genau zusammen?
Über dem ganzen Festival wacht ein Kuratorium, das vom Ministerium beauftragt wird. Dieses Kuratorium legt Wert darauf, dass immer neue Juroren den Wettbewerb entscheiden, und tauscht die Juroren etwa alle drei bis fünf Jahre aus. Zusätzlich haben wir Jungjuroren hier. Die werden danach ausgesucht, wie sie uns in ihrer Kommunikations- und Beschreibungsfähigkeit auffallen. So ist diese Jury ständig im Wandel, es werden durch Interessensvertreter verschiedenste Theaterströmungen repräsentiert.
Trotzdem wird uns oft vorgeworfen, das ttj wäre ein Insider-Festival und es würden immer die gleichen Namen auftauchen. Aber das stimmt nicht. Das ist die Spur der Qualität.

Und wie stößt die Jury auf diese Qualität? Wie kommt die Auswahl zustande?
Man schickt eine Bewerbung und eine DVD ein. Diese wird von drei Juroren gesehen. Das heißt, die neun Juroren sehen jeweils ca. 60 DVDs insgesamt und votieren dann. Wenn eine Bewerbungsnummer in einer Juroren-Gruppe auch nur ein Plus bekommt, muss die nächste Gruppe diese DVD auch noch ansehen. Und wenn es dann noch ein Plus gibt, muss die dritte Gruppe sie auch ansehen. Das heißt, wenn auch nur der Hauch eines Interesses geweckt wird, dann ist die Produktion drin. Dann diskutiert die Jury, bis nur noch 30 Inszenierungen im Rennen sind. Dann fahren immer zwei Juroren zu den Gruppen, im besten Falle einer, der skeptisch ist, und einer, der begeistert ist. Man sieht sich die Inszenierung an und sucht das Gespräch. Man versucht herauszufinden, wie die Spielhaltungen sind, wie eigenständig die Gruppe gearbeitet hat und was für ein Menschenbild auf der Bühne produziert wird.

Was sind darüber hinaus die Auswahlkriterien?
Wird gekonnt, was gewollt wird? Das ist ein wichtiges Kriterium. Ist es eine Regieidee oder erzählt es etwas von der Wahrnehmung dieser Jugendlichen ihres Themas? Erzählen sie etwas über ihre Generation, über ihren Zeitgeist – mit einem Shakespeare, mit einer selbst gemachten Collage? Uns interessiert auf gar keinen Fall die Reproduktion oder der Versuch des Richtigmachens einer klassischen Vorlage. Was mir auch wichtig ist, welches Bild von Zuschauern die Inszenierung entwirft. Es gibt Inszenierungen, die tun so, als wären die Zuschauer unglaublich blöd: Die verdoppeln, sind nachdrücklich, belehren. So etwas will ich hier nicht sehen. Die Übertragbarkeit ist ein weiteres wichtiges Kriterium. Es gibt Produktionen, die spielen auf einem Schiff oder in einer Kirche. Und ohne die Kirche geht es dann nicht.