Theatertreffen der Jugend

Foto: Dave Grossmann

Eigentlich möchte Heinrich lieber nicht. Nicht reden, nicht küssen, nicht lieben, nicht sterben. Aber es ergibt sich eben immer so; er wird in einer Kiste geliefert, und dann wird er eingekleidet und mit einer Biografie ausgestattet, sechs Frauen zählen untereinander ab, welche von ihnen anfangen darf, und dann wird angefangen zu lieben, zu sterben, zu töten. Blaubart, die Hoffnung der Frauen, Blaubart, der Frauenmörder. Im Horoskop steht: „Sie werden heute jemandem begegnen und sie werden ihm immer treu bleiben – Heinrich.“
Heinrich möchte nicht, aber sechs Frauenfiguren knüpfen sich ihn vor, projizieren ihre Vorstellungen von Lieben und Leben auf ihn, sie wollen ihn ganz und vor allem nicht allein sein: „Heinrich, mach mir das Pony!“ Dabei will Heinrich doch nur seine Ruhe, auch wenn Küssen und Heiraten plötzlich ganz leicht geht, aber das Lieben bereitet Probleme. Er weiß sich nicht anders zu helfen: Er bringt sie um. Die Projektionsmarionette, die durchdreht. So jedenfalls will es das Ensemble der Freien Waldorfschule Berlin-Kreuzberg dem Zuschauer weismachen. Deswegen wird vorsorglich der Satz: „Wäre er sich seiner Bedürfnisse und Vorlieben überhaupt bewusst, dann wäre er derjenige, der auswählte“ gleich am Anfang des Stücks mindestens zweimal zu oft wiederholt: damit die Deutungsthese klar wird.

Man wäre gern zu seinen eigenen Deutungsthesen gekommen an diesem Abend, denn Dea Lohers poetischer Theatertext wirkt so wunderbar fremd, so wunderbar dicht, dass man ihre Sprache ebenso abtasten möchte, wie es ihre Figuren tun: „Ich möchte wissen, ob wahr wird, was man ausspricht.“

Leider kann man nur erahnen, worum es in Lohers Stück gehen könnte, denn den Darstellern gelingt es nicht, dem Text den richtigen Ton zu geben. Sie klingen so merkwürdig fern von ihrem Text, ihren Figuren – manchmal hört man den Spielern an, dass sie sich vorstellen: So muss man sprechen, wenn man vom ersten Sex mit dem eigenen Bruder erzählt. Manchmal hört man ihnen an, dass sie eigentlich gar keine Vorstellung davon haben, wie man spricht in diesen Grenzsituationen, in denen ihre Figuren sich befinden: zwischen Liebe und Einsamkeit und Gewalt. Der Text klingt zu oft aufgesagt und undifferenziert; als hätten sie ihre Figuren wörtlich genommen: „Erst die Worte, dann das Gefühl!“

Heinrich wird zum neurotischen Schwächling karikiert, die Frauen werden zu emotionalen Pulverfässern: Da wird geschrien und gewimmert und hysterisch gelacht und gerannt und gewiehert. Die Inszenierung der Berliner kippt immer wieder ab in den Klamauk, in die Parodie, durch die großen Gesten, die Provokation großer Lacher. Man fühlt sich manchmal wie in einer Zirkusshow, die könnte heißen: „Sechsmal buntes Sterben für die ganze Familie“. Dazu trägt auch die völlig unmotivierte Wahl des Bühnenbilds bei. Warum „Blaubart“ in einer Schulturnhalle spielen könnte oder sogar sollte, wird dem Zuschauer nicht klar. Sprossenwand, Sportbank und Kastenhindernis bleiben nahezu ungenutzt, auf dem Trapez wird offensichtlich nur fürs Optische geturnt, und dann gibt es zu allem Überfluss auch noch Stühle und Tische, die so gar nicht zum typischen Turnhallenmobiliar gehören. Das Ensemble hätte den ungewöhnlichen Ort, an dem sie proben (eine Turnhalle), für ihre Inszenierung produktiv nutzen, mit ihm umgehen können. So haben sie ihn aber ausgestellt, ohne einen Bezug zum Stück herzustellen, der darüber hinausgeht, das eigene Spielen zu thematisieren.

Denn in dieser Richtung könnte man auch ihren übermäßigen Einsatz von Requisiten erklären. Nur lässt der Tod durch ein „echtes“ Giftfläschchen, der echte Schokopudding, die Spielzeugknarre, das echte Messer, der Fleischbatzen als Herz-Ersatz, das Kunstblut und all die wirklich überflüssigen Requisiten wie Taschen, Koffer, Essnapf, Tücher und Geldscheine die Inszenierung einmal mehr wie puren Klamauk wirken, Spiel-Klamauk, und doch hat man nicht den Eindruck, dass dieser Effekt vom Ensemble intendiert gewesen wäre. Auch die Kostüme, bunt und krass und bauschig, dienen nur zum Transport plumper Gender-Aussagen: Heinrich und sein letztes Opfer tauschen die Klamotten, und so stirbt sie in grüner Männerhose, er in rotem Tüllrock.
Was Dea Loher in ihrem Stück tatsächlich über Konzepte von Männern und Frauen, Männlichkeit und Weiblichkeit, Macht und Gewalt, Liebe und Beziehung erzählt, wirkt seltsam unreflektiert in dieser Inszenierung. Die Frauen laufen einem Mann hinterher, der ist überfordert, kann am Ende aber doch brutalste Gewalt ausüben, nur gibt es zum Glück am Ende doch noch eine, die zurückschlagen kann. So bekommt der Brutalo letztlich, was er verdient hat, und den Weibchen widerfährt posthum Gerechtigkeit. Im Grunde sind sie ja alle doch einfach ein bisschen verrückt. Und insgesamt ist alles ziemlich witzig.

Man geht aus diesem Theaterabend mit dem Gefühl, dass genau so einfach das Ganze eben doch nicht ist. Nicht sein sollte. Man möchte Lohers Stück noch einmal sehen. Anders sehen. Um es abtasten zu können.

Foto: Dave Grossmann

Surreale Szenen: ein Trapez an der Decke, Matten, Tische und Stühle, Turnbänke. Sechs Mädchen langweilen sich, bis eine rote Box auf die Bühne geschoben wird. Die Mädchen heben einen schüchternen Jungen aus der Box, den sie mit Begeisterung hätscheln und ankleiden. Sie verlieben sich eine nach der anderen in ihn, in den verklemmten Schuljungen Heinrich, und werden eine nach der anderen von ihm getötet.

Blaubart ist der bisher intimste Abend des Festivals. Das Stück wird auf der kleinsten Bühne aufgeführt: Wenn die Figuren rennen, spürt die erste Reihe den Wind. Die Inszenierung lebt von einem beeindruckenden Mut zum stillen Moment, zum Schweigen zwischen den Worten, zum Präsentieren des Innehaltens im Schauspiel, ohne je den Illusionsraum zu brechen, die Spannung zu verlieren. Es wird monologisch, chorisch und kanonisch gesprochen, am Trapez geturnt und geschaukelt, von der Bühne gerannt und durch eine andere Tür zurückgekehrt. Jeder Szenenwechsel, jeder Stimmungswechsel, jede Turn- und Sprecheinlage geht präzise in die andere über und ist mit größter Konzentration gespielt. Das ist auch im Publikum spürbar: an keinem Abend wird so still und gespannt geschaut. Manche Zeilen werden so leise gesprochen, dass der Atem angehalten und die Ohren gespitzt werden – nur manchmal ärgern sich die hinteren Reihen, weil es zu leise ist.

Aber was wird uns erzählt? Heinrich ist verzweifelt: sobald er sich verliebt, muss er seine Geliebte töten. Der Gedanke dahinter könnte sein, dass Liebe sich den Anspruch stellt, das Höchste zu sein, und damit eine Intensität fordert, die durch nichts anderes erhalten werden kann als durch die kategorische Verhinderung aller weiteren Gefühle, die die Liebe trüben könnten: den Tod. Heinrich ruft: „Liebst du mich so, wie ich dich liebe? Das ist die Frage, die tötet.”
Eine weitere Ebene entsteht, wenn man sich vor Augen ruft, dass die Mädchen selbst Heinrich zu sich holten: symbolisch getötet zu werden, scheint von Anfang an ihre unterbewusste Sehnsucht zu sein. Später sagt das sechste Mädchen selbst, sie wünsche, dass er, Heinrich, ihr das Herz aus der Brust reiße. Die Liebe sei damit per se ein Todeswunsch: das totale Sich-Hingeben bis zur Selbstauflösung.
In den ersten Minuten des Stücks entfalten sich also zwei komplexe Gedanken: die Liebe als Todessehnsucht, und der Tod als das einzige, das, bis in die letzte Konsequenz gedacht, dem (vermeintlichen) Absolutheitsanspruch der Liebe gerecht werden könnte.

Auch Requisite und Kostüme eröffnen tiefere Ebenen: der Schuljunge Heinrich mit großer Brille und zu kurzen Hosen, und die Mädchen in Schultheaterkleidern, erscheinen wie Prototypen von Jugendlichen, die das erste Mal Liebe erleben. Die Turnhalle als der verspielte Ort, an dem man den eigenen Körper kennenlernt, wird zum symbolischen Raum des ersten Kontakts mit Liebe.

Aber nun die Frage: Durchläuft dieser Anfang während des Stücks einen Raum oder gar eine Verwandlung? Was hätte sich geändert, wenn Heinrich drei anstatt sechs Mädchen geliebt und getötet hätte – oder nur eine? Welchen Wert hat all das, was nach den ersten Minuten gezeigt wird? Während des Stücks offenbaren sich dem Zuschauer die großartige Darstellung einer Blinden, Turneinlagen, in denen blanke Beine sich entblößen, die lächerlicherweise bepfiffen werden, Kussszenen und andere Intimitäten, die Anekdote einer Entjungferung. Dinge, die erzählt werden, im großen Rahmen, den sich das Stück am Anfang setzt, die aber Assoziationen blieben, Variationen, Verzweigungen einer Idee, ohne die erste Dimension zu verlassen. Bis zum Ende, der Ermordung des sechsten Mädchens, geschieht in einem gewissen Sinne – nichts mehr.

Foto: Dave Grossmann

Gymnastik und Reden: schön, aber unspannend

So wie nach jedem Stück habe ich mich auch gestern Abend gefragt, was Theater eigentlich sein soll. Tut mir leid, ich kann nicht anders. Und dann denk ich so vom Kleinen ins Große und wieder zurück. Zum Beispiel das: Kunst muss keine Fragen stellen, Theater muss keine moralische Anstalt sein. Bei der moralischen Wichtigtuerei, die man auf dem Theater bisweilen sieht, geht es oft genug um nichts anderes als um die Verwertungslogik von symbolischem Kapital, um das Machtinteresse des Sprechenden und nicht um die eigentliche moralische Frage. So sehe ich es immer, wenn Theater sich einen Weltverbesserungsauftrag anmaßt.

Reicht es nicht vielleicht, wenn es einen Weltverschönerungsauftrag erfüllt? Gerade da gestern Abend alles so hübsch war und wirklich gut gespielt wurde? Acht Darstellende, die alle eine Aura umgab, die alle schön waren und echt was konnten. Das hat mich auf jeden Fall glücklich gemacht. Aber wenn ich es jetzt dabei belasse, einfach l’art pour l’art und gut so, dann wird das Schöne leider sofort hässlich und droht mit einer Klage wegen unterlassener Sorgfaltspflicht. Also bitte ran an die Substanz.

Das Experimentieren, also der paradigmatische (und klischeehafte) Weltbezug der Jugend, war strukturgebend für das Stück; schon vom ersten Satz des Abends an: „Ich rauch ja gar nicht, ich tu nur so.“ Rauchen als erster Versuch des Erwachsenseins (qua Auflehnung gegen das Verbot und qua Adaption der Handlung) und So-tun-als-ob in der künstlichen Situation des Theaters, sozusagen unter Laborbedingungen. Die Dramaturgie war selbst auch experimenthaft (nicht zu verwechseln mit experimentell): Eine sechsstufige Versuchsreihe mit den Determinanten Frau und Heinrich. Mit dem Hereinrollen der roten Kiste (der kurze Auftritt der feengleichen Wissenschaftlerin?) wird der Stimulus gesetzt und los geht’s. Die Turnhalle setzt diesen Ansatz dann in ein Setting um. Schließlich ist sie ja auch eine artifizielle Umgebung, um mit Fertigkeiten des Körpers zu experimentieren.

Lediglich des Körpers? Nein. Das Motto war doch Gymnastik und Reden. Es ging natürlich auch um Gefühle, Gedanken und vor allem um Geschichten. Jeder hat sein Anekdötchen, seine Innerlichkeit zu erzählen: „Eis ess ich immer nur im Zoo. Da war ich zuletzt mit sieben.“* Oder die Entjungferung durch den Bruder, das Summen der Träume, die Sehnsucht der Prostituierten – für mich auch immer wieder die Geschichte, dass Erfahrungen sammeln, Experimente machen, eben seine Untiefen hat und man dabei sich selbst und andere durchaus in Gefahr bringen kann. Spannend eigentlich, aber gestern doch oft bloß eine Nummernrevue der Befindlichkeiten, verziert mit guten Texten und aufgepeppt mit einer Prise Mord.

Ich finde: Ein derart überzeugendes Ensemble und ein gespanntes und spannendes Publikum sollten sich nicht an einen solchen Jahrmarkt der Belanglosigkeiten verschwenden.
Micha

* Variation bei Woody Allen: „Seit ich nicht mehr rauche, bin ich ziemlich nervös.“ „Wann hast du aufgehört?“ „Vor fünfzehn Jahren.“

Foto: Dave Grossmann

Über den Text müssen wir definitiv nicht streiten: Dea Lohers “Blaubart – Hoffnung der Frauen” besticht durch perfekt beiläufige Grausamkeit. Man hat das Gefühl, alle paar Minuten entlade sich die Situation in Form eines verbalen Faustschlags.

Aber hier soll es um die Inszenierung gehen, also fangen wir von vorne an: Die Charaktere waren keine Charaktere, sondern Oberflächen.

Zwischendurch kam das Gefühl auf, Zuschauer einer absurden Talkshow oder Zirkusshow zu sein. Die Puppenkleider rauschten und die Grazien kleideten ihren Heinrich kurzerhand selber ein. Was erst irgendwie niedlich wirkte, kippte dann in grausame Passivität. Die Szene war jedenfalls wirkungsvoll.

Die Damen forderten, und Heinrich, autistisch und verzweifelt, unfähig zur moralischen Handlung, gab nach. Selbst bei der Beihilfe zum Mord blieben diese Damen noch Dominas: Sie hatten es faustdick hinter den Ohren.

Die Idee, den Text in einem Gymnastikraum zu inszenieren, war genial, nur leider wurde das Potenzial kaum ausgeschöpft. Die Turngeräte waren gestern mehr Spielzeug, manchmal gar Dekoration. Warum überhaupt Musik eingespielt wurde und danach als Element völlig verschwand, bleibt mir ein Rätsel. Ich mochte die Kälte, die durch die Künstlichkeit der Figuren und der Requisiten provoziert wurde: Da war nur ein Stück unblutiges Fleisch, kein Herz, das Jungfrauenblut kam aus der Kunstblutflasche. Wenn geraucht werden sollte, dann “tat man nur so”. Die Inszenierung wirkte wie eine Probe, ein Gefühl, das gut passte zum Text: Die Grausamkeiten der Liebe spielt man nur theoretisch durch, nicht praktisch.

Dann das Abschlussbild, das in Erinnerung bleibt: Heinrichs Leichen liegen nicht im Keller, sondern stehen hinter dem Eisernen Vorhang, der dann langsam hochgefahren wird: Ein lebendiger Albtraum, der bleibt.