Foto: Dave Grossmann

Alex liebt Marina. Denn Marina ist „wie der Frühling, wie Sonnenaufgang, wie Nutella.“

Die Geschichte, die das Junge Ensemble vom TheaterGrueneSosse in ihrem Stück „Testosteron“ erzählt, ist simpel gestrickt und altbekannt. Mit Marina gibt es den ersten Kuss, den ersten richtigen Kuss im Kino, mit Zunge, aber danach läuft es irgendwie nicht mehr so gut. Stress mit Mama, Stress mit Schule, Hausarrest und Handyverbot, und der beste Freund unterhält sich mit Marina, und schließlich endet alles auf dem Schulhof, mit Schubsen, und Marina sagt: „Du bist ja krass drauf.“ Es wird schnell klar: Der Plot des Stücks ist alles andere als spannend.

Aber darum geht es den vier Spielern ja auch gar nicht, sie wollen von Pubertät erzählen, von männlicher Pubertät, das heißt von feuchten Träumen, Wichsen, Sexy Sport Clips. Sie schließen sich im Zimmer ein, Mama denkt, der Sohn hat Schnupfen (wegen der Taschentücher), und SMS-Schreiben ist plötzlich gar nicht so einfach. Es sind die Jungs-Pubertäts-Klischees, die man kennt. Die man immer hört. In Jugendserien auf Ki.Ka, in Aufklärungsbüchern, in vergnüglichen Fernsehkomödien.

Dabei frage ich mich immer, ob denn Jungs-Pubertät immer so aussieht. Die Beziehung zum besten Freund wird erst auf die Probe gestellt, wenn es um dasselbe Mädchen geht, prügeln, raufen, cool sein, man denkt die ganze Zeit nur ans Bumsen, deswegen ist bei Mädchen das Rumkriegen das Wichtigste, aber weil das nicht immer gleich klappt, wird auf Mamas TV Spielfilm gewichst.

Ich frage mich, ob das allen heterosexuellen Jungs so geht. Ich frage mich, wie das Jungs geht, die nicht heterosexuell sind. Und dann frage ich mich, woran das überhaupt liegt, dass ein so festes Bild von Jungs-Pubertät besteht, dass man Bilder im Kopf hat von Jungs, die hektisch das Zimmer zuschließen, weil Mama genau jetzt die Schmutzwäsche einsammeln wollte. Wann geht es schon darum, dass vier Mädchen zusammen Pornos gucken? Um die erste blutige Unterwäsche?

Ein richtig einheitliches Bild von weiblicher Pubertät scheint es viel weniger zu geben. Treffen sich vier Mädchen, um zusammen Pornos zu gucken? Ist das normal oder selten? Man weiß es nicht, weder Jungs noch Mädchen, denn während der Diskurs über männliche Körperflüssigkeiten und Triebe gesellschaftlich völlig anerkannt ist, bleiben die weiblichen Äquivalente viel eher Tabuthemen. Tampons und Dildos sind noch lange nicht so sexy wie Sperma und Kondome. Onanieren Mädchen eigentlich jeden Morgen in der Dusche? Klischee ist es jedenfalls nicht.

Während also die erste Periode oder Selbstbefriedigung bei pubertierenden Mädchen außerhalb von „Mädchen, Mädchen“ und „Mädchen, Mädchen 2“ eher selten thematisiert werden, sind feuchte Jungsträume und Ständer im Schwimmbad Dauerbrenner der Pubertätsdebatte.

Und vielleicht wirken die Aussagen des Stücks eben deswegen so altbekannt. Auch wenn Jungs vielleicht wirklich nur von ihrer eigenen Pubertät erzählen können, hätte man sich doch gewünscht, dass sie tatsächlich etwas mehr von sich erzählen. Kleine Dinge, die dann doch vom Klischee wegführen, zu etwas anderem, das dann doch neu ist, das dann doch packt. Damit ich nicht genau dieselbe Geschichte über pubertierende Jungs auch hätte basteln können. Man wünscht sich, sie hätten tatsächlich erzählt, mit welchen „Schrammen“ sie „die Pubertät hinter sich gebracht“ haben und inwiefern sie dann doch „noch nicht ganz davon losgekommen sind.“ Wie im Programmheft versprochen.

Denn das ist doch eigentlich eine Kuriosität: Dass man ein Stück über Pubertät erst so richtig machen kann, wenn man gar nicht mehr in der Pubertät ist. Und das Frankfurter Ensemble war dem offiziellen Pubertätsalter tatsächlich entwachsen. Nur – muss man dann nicht auch die veränderte Perspektive ausstellen und produktiv nutzen? Von all den Marina-Timo-TV-Spielfilm-Verwirrungen – was bleibt am Ende? Das hätte mich interessiert. Wohingegen „Testosteron“ doch eher wie ein freundliches Aufklärungsstück daher kommt.

Dennoch findet die Produktion vom TheaterGrueneSosse oft die richtigen Worte. Zum Beispiel, wenn es um die ersten Risse in der Lieblingsfreundschaft geht. Mama und Psychiater diagnostizieren ADS („eine gezielte Medikamentation wäre wohl die eleganteste Lösung“), und dann sagt auch noch Timo zu Alex: „Du bist ja echt krank.“

Insgesamt sind es trotz guter Sprechleistung und gelungenem Mehr-Rollenspiel aber eben gerade nicht die Szenen mit Sprache, die überzeugen. Es sind die Tanzszenen. Mit beeindruckender Energie und Ausdauer präsentieren die vier „Testosteron“-Darsteller gut durchdachte Choreographien, zwischen schlaksigen Pubertätstanzbewegungen und Coolness-Posen. Viel Körperlichkeit, viel Kämpfen, viel Kräftemessen. Es sieht gut aus, gekonnt und ausdrucksstark, und erzählt dem Zuschauer damit viel mehr über Pubertät als jede gesprochene Klassenfahrtsszene des Stücks. Die Spieler überraschen, weil man mit Tanztheater nicht gerechnet hatte, aber letztlich genau das ihre Stärke ist.

Auch die Szenen mit Musik (Gitarre, Bass, Body-Percussion, Gesang, live aufgenommen und verdichtet) bringen dem Zuschauer den Alex-Protagonisten und seine Pubertätsprobleme viel näher als alle Textpassagen. Da verzeiht man auch das ungeschickte Immer-wieder-dem-Mischpult-Annähern.

Das Musikkonzept und Choreographien machen „Testosteron“ zu einem gelungenen, ästhetischen Abschluss für das diesjährige ttj. Wie in „Don’t cry for me, baby“ und „Blaubart – Hoffnung der Frauen“ ging es um erste Liebe, um Jungs und Mädchen; wie in „Clash“, „Ferienlager – Die 3. Generation“ und „Liberation is a Journey“ ging es um die Frage, wer man eigentlich ist, wie Männlichsein geht und wie Dazugehören; wie in „Ausarten. Um uns und die Kunst“ und in „Mutter Kuhranch“ ging es ums Spielen selbst, ums Ausprobieren.

Tanztheater sollen sie machen! Oder Bewegungstheater. Oder wie auch immer man das am Ende auch nennt. Jedenfalls sollen sie sich so bewegen wie heute und noch mehr und noch anders. Vielleicht können sie sich dann auch anderen Themen nähern. Erzählen, was sie jetzt bewegt. Was ihnen jetzt das Leben schwer macht und was ihr Herz jetzt schneller schlagen lässt (bummbumm bummbumm am Mikro). Ich würde kommen. Sogar nach Frankfurt.

Foto: Dave Grossmann

Strange what love does, oder? Geträumte Solo-Sexfantasien zu viert muss man erstmal zeigen, ohne dass es albern ist. Die Choreografie mit den Liebesaktpositionen bei „Testosteron“ war aber so unprätentiös und würdig gespielt, dass selbst in unserem notorisch heiteren ttj-Publikum (fast) nicht gekichert wurde. Zwei Freunde also, die dieselbe Traumfrau wollen. Der eine ist sich seiner Bedürfnisse und Vorlieben durchaus bewusst und kann auswählen, der andere ist der sympathische Underdog an der Morgenröte zur Mannheit.

Aber zugegeben, die Story ist schnell erzählt. Erst das Testosteron, dann die Endorphine. Herz gebrochen, Stück vorbei. Das ist schon eher nichtig, jedenfalls allgemein und allgemein bekannt. Der Plot war wirklich so unspezifisch, dass er durchsichtig wurde. Und das legte den Blick frei auf das bloße Theater hinter der Pubertätsstory: ein sehr gut anzusehender theatraler Werkzeugkasten.

Abgesehen von dem puristischen Roll-Paravent war alles transparent. Die Bühne war von Anfang an voll bestückt mit allem, was man brauchen würde. Sogar beim Musikmachen konnte man zusehen. Im Ergebnis ein wenig holprig, aber toll mitzuerleben fand ich das Herstellen eines Tracks aus seinen musikalischen Bestandteilen. Das war auch eine Metapher auf den Theaterprobenprozess, wo eben Schicht auf Schicht Ideen kombiniert werden, bis man eine Szene hat.

Nach überbordenden und mitarbeiterstarken Produktionen wie Don’t Cry for Me, Baby oder Liberation Is A Journey bot die Bescheidenheit der Frankfurter Inszenierung ein überzeugendes Kontrastprogramm. Hier war alles einfach, klar und Marke Eigenbau. Ein kleines, feines Stück.

Ich erzähle Dir das gerade, weil Du mir eben zufällig zuhörst.

Foto: Dave Grossmann

Eine Jugendgeschichte über den ersten Kuss: Vier Schauspieler variieren Stimmen eines Jungen in der Pubertät, der masturbiert, Pornofilme schaut, von einem Mädchen schwärmt, Hausarrest bekommt, über seinen Penis nachdenkt. Das Stück beginnt mit dem ersten Samenerguss auf einem weißen Laken, dazu donnert der zum Allzeitklassiker gewordene Bombast “Also sprach Zarathustra” von Strauss.
Der Rest des Stücks ist eine Sammlung von Anekdoten und Geschichten, die typisch sind für das Alter zwischen zehn und 13: Ein Publikum der Klassenstufen fünf und sechs würde mitfiebern und sich wiederfinden, lachen und gespannt zuhören. Da stellt sich die Frage, ob man auf die Brüste oder auf die Augen schaue, da wird eine SMS, die zum gemeinsamen Eisessen einladen soll, ausgeklügelt, da wird beschrieben, wie im Kino versucht wird, die Hand der Verehrten zu berühren.

Das Bühnenbild ist frei von unnötigen Requisiten: E-Bass und E-Gitarre, die angenehme Intermezzi liefern, eine Leinwand, auf die später Live-Close-Ups einer Figur per Handkamera projiziert werden: Alles kein Grund zu klagen.

Die Figur des pubertären Jungen steckt in vier Alter-Egos, in vier Schauspielerkörpern, die hin und wieder kurz in die Rolle der Mutter, der verehrten Marina, oder des besten Freundes schlüpfen. Dabei ist weder charakterlich, noch choreographisch in der Aufteilung in vier Alter-Egos ein tieferer Sinn zu erkennen: Als Zwei-Mann-Stück hätte sich wenig verändert.

Auffällig ist die Eindimensionalität der Erzählweise einer Geschichte, die, wie eine Figur selbst sagt, wir doch fast alle kennen. Das weniger als eine Stunde dauernde Stück reiht Klischees und bekannte Situationen aneinander und überrascht durch recht stereotypische Figuren. Bei der Darstellung der bloßen Flachheit pubertärer erster Verliebtheiten, fehlt ein Bruch, fehlen Ironie, Tiefe oder Persönlichkeit.

Dabei ist diese Zeit im Leben alles andere als unerzählenswert und kann durchaus mit Empathie inszeniert werden. Zum Beispiel mit persönlichen Geschichten – ungewöhnlichen Missgeschicken, individuellen Fantasien, plötzliche Begegnungen mit der Verehrten an ungewöhnlichen Orten, authentische Eigenschaften, die ausgerechnet dieses Mädchen so besonders machen. Beschreibungen ihrer Schönheit wie: “Ihre Augen. Ihr Mund. Ihr Hals.” versacken bildarm im Ansatz, ohne das Potenzial der intensiv erzählbaren Erlebnisse ansatzweise anzurühren.

Ich fragte mich: Warum erzählt ihr vier talentierten Schauspieler mir diese Geschichte? Wenn sie euch noch interessiert, wenn ihr euch selbst, einen Teil von euch, oder etwas von Menschen, die ihr kennt, in diesem Thema darin wiederfindet – warum wird dann so unpersönlich, so unbeeindruckt, so oberflächlich erzählt?
An mehreren Stellen offenbart sich das Stück durch seine eigenen Worte: „Bist echt noch ein Kind“, oder: „Jetzt wo ihr alle hier seid, kann ich’s ja erzählen“, oder am deutlichsten: „Ganz ehrlich: Ist doch nichts Besonderes.” Selbst mit Wohlwollen ist daraus keine Ironie zu gewinnen: Es ist eine sich selbst bewusste Eindimensionalität, deren sich selbst Bewusstsein nichts ändert.

Der Versuch, die Bühne körperlich performativ auszufüllen, gelang nur selten. Eine gelungene Idee: die Figuren teilen sich auf, in einen Sprecher vor dem Publikum, einen Bassisten auf der rechten Seite und zwei Hintergrundstimmen links am Mikrofon. Das ist dynamisch. Eine misslungene Idee: Die Figuren rennen minutenlang von der einen Seite der Bühne zur anderen, wie bei einer der lästigen Aufwärmübungen aus dem Turnunterricht – augenscheinlich schweißtreibend und recht gewollt.

Ich kann mir das Stück sehr gut für Jugendliche der fünften und sechsten Klassen vorstellen. Sie könnten im Nachhinein im Unterrichtsgespräch darüber diskutieren, ob diese Klischees sein müssten, und welche Dinge sie schon erlebt hätten, die darüber hinausgingen. Die Kinder würden zum Reden und Nachdenken kommen – und vielleicht sogar sehen, dass manche ihrer Sorgen gar nicht so unnormal sind. sebastian

Ideenlosigkeit zeigte sich in der Länge der Szenen, sowie in ihrer Aufmachung: Unentschlossenheit dadurch darzustellen, dass man hin und her rennt, ist langweilig. Wirre Gedanken durch Gleichzeitig-ins-Mikrofon-Sprechen hörbar zu machen, auch. Eine grundlegende Unglaubwürdigkeit schlich sich ins Stück ein, die von kleinen Fehlern wie dem – so schien es mir – falschen Einsatz der Musikinstrumente, befördert wurde. Wieso spielen, dass man außer Atem ist, wenn man wirklich außer Atem ist? Wieso die Kamera? Wieso Menschenklumpen, viel zu lange Gesangseinlagen? Wieso nicht ins Individuelle gehen, anstatt überall- und immergesehene Bilder zu sammeln?

Foto: Dave Grossmann

Eine Exkursion nach drüben

another girl in the neighbourhood / wish she was mine
Darum gehts: Alex hat seinen ersten Samenerguss im Schullandheim, Alex liebt Marina, Marina hat vielleicht was mit Alex‘ bestem Freund Timo. So weit, so einfach. Es ist eine alte Geschichte, doch bleibt sie immer neu.
Es ist so sehr schwierig, diese Geschichte erzählen, ohne dass sie nicht banal oder ausgelutscht oder einfach nur lächerlich wirkt. Wie soll man überhaupt von Spermaflecken, Küssen im Kino, dem Cover von TV-Spielfilm und YouPorn erzählen? Ein bisschen blieb es im Klischee und der Banalität hängen. Und wie soll ich, weiblich, auch wissen, ob es nicht wirklich für alle Jungs immer so ist. Ich hab ein paar gefragt, und die haben meistens gegrinst und ja gesagt. So gesehen war es für mich auch ein interessanter Ausflug in männliche Befindlichkeiten. Sehr interessant.

Und wie gesagt, wem sowas – Pubertät, Liebe, Peinlichkeiten – just passiert, dem scheint es immer groß, wichtig, orchestral.

Aber kann oder muss man das überhaupt noch, sich mit der Pubertät auseinandersetzten, so als die ziemlich erwachsenen Menschen, die die Spieler von TheaterGrueneSosse nun eben sind? Oder kann man gerade dann gut über die Leiden während einer männlichen Pubertät erzählen, wenn man ein bisschen Abstand hat und die schlimmsten Blessuren verheilt sind?

Es hätte mich sicher in den Wahnsinn getrieben, das Stück wäre wahrscheinlich nur Abklatsch und Farce gewesen, hätten die Spieler nun tatsächlich so getan, als wären sie vierzehneinhalb.

looks so good
Alex und seine Alter Egos tanzen. Tanzen miteinander. Und das kein bisschen pubertär, sondern erwachsen und männlich. Aggressiv und zart. Gespannt und spannend.

Mein liebster Moment: wie sie sich gegenseitig anfassen, zu erfassen suchen. Immer wieder ein Nein, dann zum Schluss ein Jaah, das erlösend sein könnte.

Wenn Alex auf der Rollbox über die Bühne wirbelt und sich immerwieder an seiner Mutter abstößt [diese Mutter, die so überhaupt nichts versteht – irgendwie schien mir das seltsam. Schnupfen? Komm schon!]
Wunderbare, so sehr wunderbare Momente.

Fiebernd nervöse, sentimentale oder mitgrölmäßige Musik. Klangcollagen und Loops. Selbstgemacht, live. Was will man mehr?

I need excitement, oh I need it bad
Zwischendurch hab ich mich gefragt, wann es weitergeht. Wenn die Lieder immer weiter gingen und immer weiter getanzt wurde.

Vielleicht ist dieses Gefühl des Im-Loop-Hängens auch teenagertypisch und wird absichtlich im Zuschauer erzeugt.

Aber sonst:
I wanna hold her wanna hold her tight / get teenage kicks right through the night

Foto: Dave Grossmann

Eigentlich möchte Heinrich lieber nicht. Nicht reden, nicht küssen, nicht lieben, nicht sterben. Aber es ergibt sich eben immer so; er wird in einer Kiste geliefert, und dann wird er eingekleidet und mit einer Biografie ausgestattet, sechs Frauen zählen untereinander ab, welche von ihnen anfangen darf, und dann wird angefangen zu lieben, zu sterben, zu töten. Blaubart, die Hoffnung der Frauen, Blaubart, der Frauenmörder. Im Horoskop steht: „Sie werden heute jemandem begegnen und sie werden ihm immer treu bleiben – Heinrich.“
Heinrich möchte nicht, aber sechs Frauenfiguren knüpfen sich ihn vor, projizieren ihre Vorstellungen von Lieben und Leben auf ihn, sie wollen ihn ganz und vor allem nicht allein sein: „Heinrich, mach mir das Pony!“ Dabei will Heinrich doch nur seine Ruhe, auch wenn Küssen und Heiraten plötzlich ganz leicht geht, aber das Lieben bereitet Probleme. Er weiß sich nicht anders zu helfen: Er bringt sie um. Die Projektionsmarionette, die durchdreht. So jedenfalls will es das Ensemble der Freien Waldorfschule Berlin-Kreuzberg dem Zuschauer weismachen. Deswegen wird vorsorglich der Satz: „Wäre er sich seiner Bedürfnisse und Vorlieben überhaupt bewusst, dann wäre er derjenige, der auswählte“ gleich am Anfang des Stücks mindestens zweimal zu oft wiederholt: damit die Deutungsthese klar wird.

Man wäre gern zu seinen eigenen Deutungsthesen gekommen an diesem Abend, denn Dea Lohers poetischer Theatertext wirkt so wunderbar fremd, so wunderbar dicht, dass man ihre Sprache ebenso abtasten möchte, wie es ihre Figuren tun: „Ich möchte wissen, ob wahr wird, was man ausspricht.“

Leider kann man nur erahnen, worum es in Lohers Stück gehen könnte, denn den Darstellern gelingt es nicht, dem Text den richtigen Ton zu geben. Sie klingen so merkwürdig fern von ihrem Text, ihren Figuren – manchmal hört man den Spielern an, dass sie sich vorstellen: So muss man sprechen, wenn man vom ersten Sex mit dem eigenen Bruder erzählt. Manchmal hört man ihnen an, dass sie eigentlich gar keine Vorstellung davon haben, wie man spricht in diesen Grenzsituationen, in denen ihre Figuren sich befinden: zwischen Liebe und Einsamkeit und Gewalt. Der Text klingt zu oft aufgesagt und undifferenziert; als hätten sie ihre Figuren wörtlich genommen: „Erst die Worte, dann das Gefühl!“

Heinrich wird zum neurotischen Schwächling karikiert, die Frauen werden zu emotionalen Pulverfässern: Da wird geschrien und gewimmert und hysterisch gelacht und gerannt und gewiehert. Die Inszenierung der Berliner kippt immer wieder ab in den Klamauk, in die Parodie, durch die großen Gesten, die Provokation großer Lacher. Man fühlt sich manchmal wie in einer Zirkusshow, die könnte heißen: „Sechsmal buntes Sterben für die ganze Familie“. Dazu trägt auch die völlig unmotivierte Wahl des Bühnenbilds bei. Warum „Blaubart“ in einer Schulturnhalle spielen könnte oder sogar sollte, wird dem Zuschauer nicht klar. Sprossenwand, Sportbank und Kastenhindernis bleiben nahezu ungenutzt, auf dem Trapez wird offensichtlich nur fürs Optische geturnt, und dann gibt es zu allem Überfluss auch noch Stühle und Tische, die so gar nicht zum typischen Turnhallenmobiliar gehören. Das Ensemble hätte den ungewöhnlichen Ort, an dem sie proben (eine Turnhalle), für ihre Inszenierung produktiv nutzen, mit ihm umgehen können. So haben sie ihn aber ausgestellt, ohne einen Bezug zum Stück herzustellen, der darüber hinausgeht, das eigene Spielen zu thematisieren.

Denn in dieser Richtung könnte man auch ihren übermäßigen Einsatz von Requisiten erklären. Nur lässt der Tod durch ein „echtes“ Giftfläschchen, der echte Schokopudding, die Spielzeugknarre, das echte Messer, der Fleischbatzen als Herz-Ersatz, das Kunstblut und all die wirklich überflüssigen Requisiten wie Taschen, Koffer, Essnapf, Tücher und Geldscheine die Inszenierung einmal mehr wie puren Klamauk wirken, Spiel-Klamauk, und doch hat man nicht den Eindruck, dass dieser Effekt vom Ensemble intendiert gewesen wäre. Auch die Kostüme, bunt und krass und bauschig, dienen nur zum Transport plumper Gender-Aussagen: Heinrich und sein letztes Opfer tauschen die Klamotten, und so stirbt sie in grüner Männerhose, er in rotem Tüllrock.
Was Dea Loher in ihrem Stück tatsächlich über Konzepte von Männern und Frauen, Männlichkeit und Weiblichkeit, Macht und Gewalt, Liebe und Beziehung erzählt, wirkt seltsam unreflektiert in dieser Inszenierung. Die Frauen laufen einem Mann hinterher, der ist überfordert, kann am Ende aber doch brutalste Gewalt ausüben, nur gibt es zum Glück am Ende doch noch eine, die zurückschlagen kann. So bekommt der Brutalo letztlich, was er verdient hat, und den Weibchen widerfährt posthum Gerechtigkeit. Im Grunde sind sie ja alle doch einfach ein bisschen verrückt. Und insgesamt ist alles ziemlich witzig.

Man geht aus diesem Theaterabend mit dem Gefühl, dass genau so einfach das Ganze eben doch nicht ist. Nicht sein sollte. Man möchte Lohers Stück noch einmal sehen. Anders sehen. Um es abtasten zu können.

Foto: Dave Grossmann

Surreale Szenen: ein Trapez an der Decke, Matten, Tische und Stühle, Turnbänke. Sechs Mädchen langweilen sich, bis eine rote Box auf die Bühne geschoben wird. Die Mädchen heben einen schüchternen Jungen aus der Box, den sie mit Begeisterung hätscheln und ankleiden. Sie verlieben sich eine nach der anderen in ihn, in den verklemmten Schuljungen Heinrich, und werden eine nach der anderen von ihm getötet.

Blaubart ist der bisher intimste Abend des Festivals. Das Stück wird auf der kleinsten Bühne aufgeführt: Wenn die Figuren rennen, spürt die erste Reihe den Wind. Die Inszenierung lebt von einem beeindruckenden Mut zum stillen Moment, zum Schweigen zwischen den Worten, zum Präsentieren des Innehaltens im Schauspiel, ohne je den Illusionsraum zu brechen, die Spannung zu verlieren. Es wird monologisch, chorisch und kanonisch gesprochen, am Trapez geturnt und geschaukelt, von der Bühne gerannt und durch eine andere Tür zurückgekehrt. Jeder Szenenwechsel, jeder Stimmungswechsel, jede Turn- und Sprecheinlage geht präzise in die andere über und ist mit größter Konzentration gespielt. Das ist auch im Publikum spürbar: an keinem Abend wird so still und gespannt geschaut. Manche Zeilen werden so leise gesprochen, dass der Atem angehalten und die Ohren gespitzt werden – nur manchmal ärgern sich die hinteren Reihen, weil es zu leise ist.

Aber was wird uns erzählt? Heinrich ist verzweifelt: sobald er sich verliebt, muss er seine Geliebte töten. Der Gedanke dahinter könnte sein, dass Liebe sich den Anspruch stellt, das Höchste zu sein, und damit eine Intensität fordert, die durch nichts anderes erhalten werden kann als durch die kategorische Verhinderung aller weiteren Gefühle, die die Liebe trüben könnten: den Tod. Heinrich ruft: „Liebst du mich so, wie ich dich liebe? Das ist die Frage, die tötet.”
Eine weitere Ebene entsteht, wenn man sich vor Augen ruft, dass die Mädchen selbst Heinrich zu sich holten: symbolisch getötet zu werden, scheint von Anfang an ihre unterbewusste Sehnsucht zu sein. Später sagt das sechste Mädchen selbst, sie wünsche, dass er, Heinrich, ihr das Herz aus der Brust reiße. Die Liebe sei damit per se ein Todeswunsch: das totale Sich-Hingeben bis zur Selbstauflösung.
In den ersten Minuten des Stücks entfalten sich also zwei komplexe Gedanken: die Liebe als Todessehnsucht, und der Tod als das einzige, das, bis in die letzte Konsequenz gedacht, dem (vermeintlichen) Absolutheitsanspruch der Liebe gerecht werden könnte.

Auch Requisite und Kostüme eröffnen tiefere Ebenen: der Schuljunge Heinrich mit großer Brille und zu kurzen Hosen, und die Mädchen in Schultheaterkleidern, erscheinen wie Prototypen von Jugendlichen, die das erste Mal Liebe erleben. Die Turnhalle als der verspielte Ort, an dem man den eigenen Körper kennenlernt, wird zum symbolischen Raum des ersten Kontakts mit Liebe.

Aber nun die Frage: Durchläuft dieser Anfang während des Stücks einen Raum oder gar eine Verwandlung? Was hätte sich geändert, wenn Heinrich drei anstatt sechs Mädchen geliebt und getötet hätte – oder nur eine? Welchen Wert hat all das, was nach den ersten Minuten gezeigt wird? Während des Stücks offenbaren sich dem Zuschauer die großartige Darstellung einer Blinden, Turneinlagen, in denen blanke Beine sich entblößen, die lächerlicherweise bepfiffen werden, Kussszenen und andere Intimitäten, die Anekdote einer Entjungferung. Dinge, die erzählt werden, im großen Rahmen, den sich das Stück am Anfang setzt, die aber Assoziationen blieben, Variationen, Verzweigungen einer Idee, ohne die erste Dimension zu verlassen. Bis zum Ende, der Ermordung des sechsten Mädchens, geschieht in einem gewissen Sinne – nichts mehr.

Foto: Dave Grossmann

Gymnastik und Reden: schön, aber unspannend

So wie nach jedem Stück habe ich mich auch gestern Abend gefragt, was Theater eigentlich sein soll. Tut mir leid, ich kann nicht anders. Und dann denk ich so vom Kleinen ins Große und wieder zurück. Zum Beispiel das: Kunst muss keine Fragen stellen, Theater muss keine moralische Anstalt sein. Bei der moralischen Wichtigtuerei, die man auf dem Theater bisweilen sieht, geht es oft genug um nichts anderes als um die Verwertungslogik von symbolischem Kapital, um das Machtinteresse des Sprechenden und nicht um die eigentliche moralische Frage. So sehe ich es immer, wenn Theater sich einen Weltverbesserungsauftrag anmaßt.

Reicht es nicht vielleicht, wenn es einen Weltverschönerungsauftrag erfüllt? Gerade da gestern Abend alles so hübsch war und wirklich gut gespielt wurde? Acht Darstellende, die alle eine Aura umgab, die alle schön waren und echt was konnten. Das hat mich auf jeden Fall glücklich gemacht. Aber wenn ich es jetzt dabei belasse, einfach l’art pour l’art und gut so, dann wird das Schöne leider sofort hässlich und droht mit einer Klage wegen unterlassener Sorgfaltspflicht. Also bitte ran an die Substanz.

Das Experimentieren, also der paradigmatische (und klischeehafte) Weltbezug der Jugend, war strukturgebend für das Stück; schon vom ersten Satz des Abends an: „Ich rauch ja gar nicht, ich tu nur so.“ Rauchen als erster Versuch des Erwachsenseins (qua Auflehnung gegen das Verbot und qua Adaption der Handlung) und So-tun-als-ob in der künstlichen Situation des Theaters, sozusagen unter Laborbedingungen. Die Dramaturgie war selbst auch experimenthaft (nicht zu verwechseln mit experimentell): Eine sechsstufige Versuchsreihe mit den Determinanten Frau und Heinrich. Mit dem Hereinrollen der roten Kiste (der kurze Auftritt der feengleichen Wissenschaftlerin?) wird der Stimulus gesetzt und los geht’s. Die Turnhalle setzt diesen Ansatz dann in ein Setting um. Schließlich ist sie ja auch eine artifizielle Umgebung, um mit Fertigkeiten des Körpers zu experimentieren.

Lediglich des Körpers? Nein. Das Motto war doch Gymnastik und Reden. Es ging natürlich auch um Gefühle, Gedanken und vor allem um Geschichten. Jeder hat sein Anekdötchen, seine Innerlichkeit zu erzählen: „Eis ess ich immer nur im Zoo. Da war ich zuletzt mit sieben.“* Oder die Entjungferung durch den Bruder, das Summen der Träume, die Sehnsucht der Prostituierten – für mich auch immer wieder die Geschichte, dass Erfahrungen sammeln, Experimente machen, eben seine Untiefen hat und man dabei sich selbst und andere durchaus in Gefahr bringen kann. Spannend eigentlich, aber gestern doch oft bloß eine Nummernrevue der Befindlichkeiten, verziert mit guten Texten und aufgepeppt mit einer Prise Mord.

Ich finde: Ein derart überzeugendes Ensemble und ein gespanntes und spannendes Publikum sollten sich nicht an einen solchen Jahrmarkt der Belanglosigkeiten verschwenden.
Micha

* Variation bei Woody Allen: „Seit ich nicht mehr rauche, bin ich ziemlich nervös.“ „Wann hast du aufgehört?“ „Vor fünfzehn Jahren.“

Foto: Dave Grossmann

Über den Text müssen wir definitiv nicht streiten: Dea Lohers “Blaubart – Hoffnung der Frauen” besticht durch perfekt beiläufige Grausamkeit. Man hat das Gefühl, alle paar Minuten entlade sich die Situation in Form eines verbalen Faustschlags.

Aber hier soll es um die Inszenierung gehen, also fangen wir von vorne an: Die Charaktere waren keine Charaktere, sondern Oberflächen.

Zwischendurch kam das Gefühl auf, Zuschauer einer absurden Talkshow oder Zirkusshow zu sein. Die Puppenkleider rauschten und die Grazien kleideten ihren Heinrich kurzerhand selber ein. Was erst irgendwie niedlich wirkte, kippte dann in grausame Passivität. Die Szene war jedenfalls wirkungsvoll.

Die Damen forderten, und Heinrich, autistisch und verzweifelt, unfähig zur moralischen Handlung, gab nach. Selbst bei der Beihilfe zum Mord blieben diese Damen noch Dominas: Sie hatten es faustdick hinter den Ohren.

Die Idee, den Text in einem Gymnastikraum zu inszenieren, war genial, nur leider wurde das Potenzial kaum ausgeschöpft. Die Turngeräte waren gestern mehr Spielzeug, manchmal gar Dekoration. Warum überhaupt Musik eingespielt wurde und danach als Element völlig verschwand, bleibt mir ein Rätsel. Ich mochte die Kälte, die durch die Künstlichkeit der Figuren und der Requisiten provoziert wurde: Da war nur ein Stück unblutiges Fleisch, kein Herz, das Jungfrauenblut kam aus der Kunstblutflasche. Wenn geraucht werden sollte, dann “tat man nur so”. Die Inszenierung wirkte wie eine Probe, ein Gefühl, das gut passte zum Text: Die Grausamkeiten der Liebe spielt man nur theoretisch durch, nicht praktisch.

Dann das Abschlussbild, das in Erinnerung bleibt: Heinrichs Leichen liegen nicht im Keller, sondern stehen hinter dem Eisernen Vorhang, der dann langsam hochgefahren wird: Ein lebendiger Albtraum, der bleibt.